“Dead Ringers” – Tema final (Howard Shore)

Música de la BSO de la película “Dead Ringers” (David Cronenberg, 1988), compuesta por Howard Shore. Esta realización cinematográfica cuenta con las actuaciones protagónicas de Jeremy Irons y Geneviève Bujold.-

Los números de 2011

Los duendes de las estadísticas de WordPress.com prepararon un reporte para el año 2011 de este blog.

Aqui es un extracto

La sala de conciertos de la Ópera de Sydney contiene 2.700 personas. Este blog fue visto cerca de 9.000 veces en 2011. Si fuese un concierto en la Ópera, se necesitarían alrededor de 3 actuaciones agotadas para que toda esa gente lo viera.

Haz click para ver el reporte completo.

A 10 años del 19 y 20 de Diciembre de 2001

“Argentinazo, comienza la Revolución (Edición Especial)”: Trabajo audiovisual del Ojo Obrero (grupo de cine y foto), publicado en 2002 - “Argentinazo: El 19 de diciembre de 2001 a la noche, en la Capital Federal, la población sale a las calles a cacerolear, hace fogatas en las esquinas, marcha hacia la Plaza de Mayo reclamando la renuncia del Ministro Cavallo y del propio Presidente de la Nacion, Fernando de la Rúa. Alrededor de las 2 de la mañana del 20 la Plaza de Mayo se encuentra repleta de manifestantes que no dan señales de querer retirarse hasta no lograr su objetivo. El 20 de diciembre, la Plaza de Mayo nuevamente repleta de manifestantes, vuelve a ser el centro de los reclamos. Esta vez comienza una brutal represión que se extendería durante todo el día y en todo el centro de la ciudad de Buenos Aires. La policía carga con caballería, gases lacrimógenos, balas de goma y también balas de plomo. La respuesta de la gente son piedras y gritos y un cada vez más claro ‘que se vayan todos’, sobre todo Cavallo y el ‘Chupete’. El saldo de la represión fueron 32 muertos en todo el país. El logro de este primer Argentinazo es la renuncia del gobierno y haber abierto en la Argentina una nueva etapa política: la etapa de la acción directa del pueblo”.-

Edición Especial del video del Argentinazo, que incluye las declaraciones de Jorge Altamira en el Picnic del PO la semana previa al levantamiento popular de 2001. Un documento único por la certeza de su contenido político.

LEY DE MEDIOS: Una ley que naufraga en la crisis capitalista

La mayoría de los intelectuales de la comunicación conversos a la fanática defensa de la ley de medios solían mofarse de un aspecto central de nuestra caracterización sobre la nave insignia de su batalla cultural: la de que se trata de una ley capitalista, regida por una concepción mercantil de la comunicación y la información.

Los más cínicos solían afirmar que, tratándose de un Estado burgués, no era de esperarse otra cosa; pero otros se animaban a concebir la ley de medios como un instrumento para sustraer una porción del espectro del alcance del capital y posibilitar así la diversificación de “las voces”.

Todas las voces, todas (no todas)

El anuncio de la licitación de 220 señales (110 comerciales y 110 para organizaciones sin fines de lucro) para canales de coberturas regionales en distintos puntos del país data de junio del presente año. Fue suspendido antes de las elecciones de octubre y postergado. La semana pasada, volvió sufrir una postergación de noventa días. La causa es la falta de interesados: “Si se hubieran hecho los concursos, tal como estaba previsto, tenían que haberse abierto en las provincias de Formosa, La Rioja, La Pampa, Misiones, Neuquén y Entre Ríos. Pero, por ejemplo, en Formosa nadie había comprado los pliegos para participar en la licitación de cuatro canales. Algo similar pasó en Chaco, donde pasado mañana se iban a hacer los concursos y nadie compró los pliegos para crear ocho canales” (Clarín, 23/11).

En los casos mencionados ocurre que los pliegos alcanzan valores de hasta 140 mil pesos, incluso para las organizaciones sin fines de lucro. La obligación de presentar un respaldo patrimonial a planes de inversión bianuales -que para televisoras de bajo costo y cumpliendo requisitos mínimos alcanzan la suma del millón de dólares- parece haber resultado un factor suficientemente desalentador . La desconcentración idealizada es un fracaso rotundo. Mientras tanto, la pluralidad de voces sólo alcanzó a los Electroingeniería y “el batallón 601″ Martínez, que mantienen sus señales en el aire sin licencia adjudicada.

El ajuste de Moreno

Mientras para las “organizaciones sin fines de lucro” que pretendieran acceder a una señal de las adjudicadas al tercer sector no existió nunca una línea de financiamiento estatal, el fomento de la producción de contenidos bajo el control ideológico estatal acaba de caer en la desgraciada órbita de la “sintonía fina” del modelo.

En una reciente reunión con productores, el secretario de Comercio Interior, Guillermo Moreno, los intimó a que en un plazo no mayor a veinte días el sector genere las condiciones para que su producción ingrese divisas por exportaciones en la misma proporción que las importaciones que requiere. De no cumplir la meta, prometió a cambio la eliminación de subsidios. “Si la industria automotriz y la de alimentos para perros pudieron, también tiene que poder este sector (…) que exporten maníes y vino, como hacen los importadores de autos de lujo”, les habría explicado Moreno -quien olvidó el detalle de que “los derechos para la exportación de productos subsidiados les pertenecen al INCAA y a la AFSCA” (Perfil, 19/11).

Nacionalismo

Las revelaciones de la reunión que publicó Perfil, que presentaban a un diabólico Moreno, motivaron en un periódico afín al gobierno la aparición de otro Moreno más simpático, endemoniado sí, pero con los distribuidores de Hollywood. Al delegado de la Universal “le pidió la instalación de un parque temático como los que la compañía tiene en Orlando o Los Angeles para equilibrar la balanza comercial negativa por las películas que Universal estrena en la Argentina” y a todos les sugirió que “amor por amor se paga, por cada película que estrenan en el país, tienen que producir o exportar una argentina” (Ambito, 24/11).

Por lo tanto, de acuerdo con la política planteada por Moreno, si el INCAA y el AFSCA fracasan en la exportación que genere divisas idénticas a las importaciones requeridas, tendremos, por un lado, el fin de la producción de contenidos para la nueva televisión digital -con su consecuente fracaso en la creación de una “oferta diversa”- y, por el otro, un “cine nacional” orientado ideológicamente por los tanques de Hollywood.

La nave insignia de la batalla cultural del gobierno nacional y popular es un Titanic naufragando en los mares del imperialismo.

Julián (Ojo Obrero)

Publicado en el Blog del Partido Obrero de Córdoba

Habemus Papam y El Eclipse de Dios

Una mirada del cineasta Nanni Moretti dentro del Estado Vaticano

En la última Jornada Mundial de la Juventudes católicas, que se realizó en Madrid el pasado septiembre, Joseph Ratzinger, uno de los últimos cinco monarcas absolutos del planeta, dijo que “Europa vive una ‘especie de eclipse de Dios, cierta amnesia; más aún, un verdadero rechazo del cristianismo y una negación de la fe recibida, con el riesgo de perder aquello que más profundamente nos caracteriza’” (La Nación, 19/9). El Papa, durante el mismo viaje, habló de que la sociedad estaba expuesta a los “fuegos fatuos del relativismo y la mediocridad”. Toda una sincera declaración sobre el fabuloso retroceso que viven las religiones, a la luz de la creciente maduración subjetiva que acarrea la crisis capitalista. El Papa se vale de la ciencia astronómica para metaforizar sobre la crisis del dogma católico. Por definición, un eclipse es un fenómeno momentáneo. Por eso, Ratzinger apuesta a que con la barbarie de la agudización de la crisis capitalista, el astro bloqueador (en este caso el relativismo y la mediocridad) se corra, y desbloquee la visión de las masas para volver a Dios, en un escenario de desesperación y decadencia.

El film Habemus Papam tiene su punto de partida en un evento histórico vivido hace pocos años: la muerte de un Papa y el proceso eleccionario de un nuevo sumo pontífice, en manos de un cónclave de cardenales llegados de todas las regiones del globo. Toda una postal de un imperio religioso. El gran conflicto surge cuando el nuevo Papa elegido sufre una crisis nerviosa que le impide presentarse ante sus fieles. Por eso, se decide acudir al auxilio de un psicoanalista ateo que interpreta el mismo Nanni Moretti.

Moretti se erigió como un referente de la izquierda en la cinematografía mundial actual, y en Habemus Papam sus fieles seguidores probablemente se vean decepcionados. El film no realiza una crítica política explícita, ni confronta la visión de la izquierda con la realidad del Estado Vaticano: la pedofilia, los vínculos de la Iglesia con la trata de personas, las conexiones mafiosas y los manejos oscuros del Banco Salesiano brillan por su ausencia.

Sin embargo, el film debate con el catolicismo en la grieta abierta por el “eclipse de Dios”: Habemus Papam es un film exento de divinidad, en el que Dios aparece como un inverosímil decorativo. Se mete en la intimidad del cónclave de cardenales que elige al futuro Papa, para humanizarlos y mostrarlos como hombres medievales inmersos en la modernidad, superados por el presente en el devenir de su propia existencia. La película confronta a la burocracia espiritual del dogma religioso con la interpretación de la conciencia del psicoanálisis, el rol liberador del espíritu que tienen el arte y el deporte, entre otros. Se destaca una escena en la que el psicoanalista asesora a un grupo de cardenales por el mal uso que hacen de los psicofármacos.

La única crítica abierta, aquella que la izquierda puede esperar, se da en una escena breve pero memorable, cuando el psicoanalista, mientras deambula entre las lanzas y los petos de la guardia suiza, reflexiona frente a los soldados: “Así que este es el lugar donde la nafta es más barata que en Roma, donde las farmacias tienen medicamentos que en Roma no se consiguen…”. Una mirada aguda sobre los beneficios de los que goza el Estado teocrático frente a la sociedad civil italiana.

La presencia del idioma castellano es una constante en el film, entendiendo el peso que tiene el catolicismo en el mundo hispanoparlante. Moretti se vale de nuestra lengua para una escena musical aleccionadora, cuando en los salones de algún palacio vaticano, se escucha a la inolvidable Mercedes Sosa cantar “Cambia el modo de pensar, cambia todo este mundo… Cambia, todo cambia…”.

El film Habemus Papam es una interesante y novedosa mirada sobre el Vaticano, ese Titanic que se hunde lentamente, tal vez el más pesado de los pesos del pasado que oprime nuestro cerebro, un Estado defendido por un ejército que apenas esgrime lanzas.

Ale Cohen (Ojo Obrero)

Publicado en Prensa Obrera N° 1196 (29/9/2011)

“El Estudiante”: “Militancia” y militancia

El jueves 1º de septiembre se estrenó “El estudiante”, una de las películas más esperadas del año, que ya se había exhibido en el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici) y en festivales internacionales, con gran éxito entre el público y la crítica. El film, dirigido por Santiago Mitre, narra la historia de Roque, un joven que llega del interior a empezar por tercera vez una carrera en la UBA y comienza a militar en una agrupación universitaria, la inexistente “Brecha”. Con pocos ideales, Roque se destaca por su pragmatismo y arribismo, por lo que se convierte rápidamente en la mano derecha del líder de la agrupación, Acevedo. Si bien no hay referencias concretas en la obra de Mitre, se puede entrever que la carrera que cursa Roque es Sociología, mientras que la agrupación a la que pertenece, según lo confirmaron también declaraciones del director, es una especie de desprendimiento tardío de la Franja Morada.

La película esta filmada en la sede de Marcelo T. de Alvear de la Universidad de Buenos Aires, durante las semanas en que se desarrollaba una toma estudiantil y ocurrieron hechos como el asesinato de Mariano Ferreyra y la muerte de Néstor Kirchner. Siendo un film de bajo presupuesto, Mitre toma mucho de esta ambientación llena de afiches, asambleas, campañas electores y movilizaciones. El rostro de Mariano Ferreyra es casi un personaje más en “El estudiante”. La estética del film es de un “realismo sucio”, semidocumental. Hay una influencia importante del cine de Pablo Trapero, que produce el film y con quien Mitre colaboró en “Leonera” y “Carancho”, con sus personajes “borders” y sus escenas viscerales, donde las traiciones ocupan un lugar esencial.

Como descripción de la militancia actual, el film de Mitre es bastante pobre, ya que se centra en una clase de “militancia” estatizada, cuyo objetivo central es acaparar cargos en la Universidad y el Estado para desarrollar negocios privados. El protagonista, a pesar del ambiente politizado que lo rodea, no participa de ninguna movilización. La izquierda está observada desde afuera, bajo un punto de vista un poco caricaturesco. El militante “combativo”, Lisandro, parece sacado de la pobre sátira de Daniel Paz, “León, el activista peleón”.

Sin embargo, el film cobra fuerza en su segunda mitad, cuando se enfoca, no en la militancia, sino en la lucha por elegir al rector, donde queda claro que la UBA es una estructura corrupta y antidemocrática, enlazada con el Estado (negocios con los ministerios de Salud y el de Obras Públicas son mencionados). Con esta descripción de la corrupción estatal en la Universidad, Mitre establece puentes por primera vez entre la política universitaria y el resto de la sociedad. Aquí, la película parece tomar como referencia la lucha docente-estudiantil por la elección del nuevo rector de 2006. En el final, el protagonista que no había mostrado muchos escrúpulos en su aventura política y la película toman una posición moral y política, mostrando que, más allá de las caricaturas, la izquierda estaba acertada en sus caracterizaciones y su lucha.

 

Nicolás Rijman

Publicado en Prensa Obrera N° 1193 (08/09/2011)

El Capital llega a la pantalla grande

KLUGE RETOMA EL MONUMENTAL PROYECTO DE EISENSTEIN

¿Cómo trasladar al lenguaje cinematográfico una obra como El capital, texto central de Karl Marx, explicación de los mecanismos que rigen al sistema, artefacto de la teoría política y económica, libro fundamental para entender nuestros días? Los tres volúmenes que señalan los conceptos esenciales para comprender cómo funciona el mundo capitalista son esquivos, podría pensar cualquier persona, a la posibilidad fílmica. Sin embargo, el ruso Sergei Eisenstein, uno de los padres del cine moderno, tenía entre sus planes llevar adelante esta película. Ochenta años después, el alemán Alexander Kluge logró realizar el proyecto.

Un día después de que terminara de rodar Octubre, Eisenstein escribió en su diario: “Está decidido filmar El capital, según Karl Marx. Es la única alternativa formal posible”. Era el 12 de octubre de 1927 y el director acababa de realizar una cinta gigantesca: el Partido Comunista de la Unión Soviética había erogado fondos que ninguna otra película a nivel mundial había obtenido y postulado al film como una de las joyas de los festejos de los diez años de la revolución de Octubre. Eisenstein había podido usar los paisajes de Leningrado a su antojo a tal punto que, por las noches, la municipalidad cortaba la energía para que sus cámaras pudieran captar la luz de la manera mejor. Sin embargo, el Comité Central del partido había tenido, como contrapartida, el control sobre el guión del film. El stalinismo estaba en ascenso en el país de los soviets. Ya se había iniciado la persecución a León Trotsky. Si bien su figura aparecía en la primera versión de la película, la censura -supervisada personalmente por Josef Stalin- logró que se eliminara todo rastro de su participación en la Revolución.

Eisenstein se obsesionó con su nuevo proyecto, el cual debía transformar al cine según sus planes. En su diario, registró los pensamientos que lo atravesaban a la hora de la planificación. El director lee el Ulises de James Joyce -una novela que redefine las posibilidades de la novela- y decide postular su método como modelo de su película: “A preguntas cotidianas, le da respuestas metafísicas”, escribe (Eisenstein pudo reunirse con Joyce para discutir la película sobre el texto de Marx; pensar la existencia de un encuentro que unió a estos nombres significativos de la cultura contemporánea puede ser productivo). Y escribió más: indicaciones, escenas, dibujos sobre lo que debería ser un film-ensayo de una naturaleza monumental. Eisenstein no pudo filmar su proyecto.

Ocho décadas después, Kluge -el más radical de los cineastas de la generación del “Nuevo Cine Alemán”- tomó como inspiración las notas de Eisenstein, realizó una relectura del texto de Marx y concibió una película desmesurada, de nueve horas de duración, que plasma sobre las pantallas a El capital como una obra de arte total (a la vez que fragmentaria). El realizador usa todos los géneros posibles para darle una traducción fílmica al texto (desde la narración cinematográfica, a la entrevista, pasando por la ópera, el videoclip, la música, el diseño, la tipografía y la pura imagen), a la vez que pone en primer plano las reflexiones de Eisenstein (y logra, de ese modo, hacer una película sobre cómo hacer esta película) y logra un film de una belleza perturbadora.

Noticias de la Antigüedad ideológica: Marx-Eisenstein-El Capital es un caleidoscopio que permite ver un diálogo de una poesía potentísima entre dos agentes de la Stasi que reflexionan sobre el agua, los soviets y la energía eléctrica; la filmación casera de unos turistas que descubren la verdadera tumba de Marx; un corto que muestra, en una escena, el valor del trabajo en la producción del paisaje humano; el poema que Bertolt Brecht le dedica a una grúa de Michschak; una representación de los acontecimientos del acorazado Potemkin en la forma operística de Tristán e Isolda, de Wagner; algunos episodios desmesurados de la historia soviética, entre otros -muchos- episodios que construyen el film. La potencia estética e intelectual del film -con el aura política que implican- se ve disminuida a la hora de las entrevistas propiamente “políticas” de la película, que rescatan a pensadores muy importantes de la Europa actual -como Hans Magnus Enzerberger o Peter Sloterdijk-, pero que están lejos de pensar la actualidad revolucionaria de El capital. El historiador Dietmar Dath reclama nuevas lecturas de El capital que superen las realizadas por el leninismo. Estas intervenciones, que de todos modos no dejan de tener interés, no desmerecen una película extraordinaria.

(…)

El título elegido por Kluge hace alusión a “la antigüedad”. Sin embargo, esta referencia no implica un desmedro de las posibilidades contemporáneas del texto de Marx. Por el contrario, remite a una frase de los manuscritos del joven Marx: “¿Por qué la infancia histórica de la humanidad, donde alcanzó su forma más bella, no debería ejercer un encanto eterno?”. El fundador del socialismo se refiere a la antigua Grecia, una infancia (y la patria es la infancia, como decía Rainer María Rilke) que siempre está volviendo, sin que esto impida que los alcances de nuestra mirada estén puestos siempre adelante. Hacia el futuro.

Judas

Publicado en Prensa Obrera N° 1191 (25/8/2011)

“El Sueño Del Mono Loco”, de Fernando Trueba

Interesante película del director de “Belle Epoque”, protagonizada por un más que correcto Jeff Goldblum -con su característico rictus, ampliamente conocido a partir de “The Fly” (“La Mosca”, David Cronenberg, 1986)- “El sueño del mono loco” incursiona en el dispositivo argumental de cine dentro del cine, por medio de la trama oscura en que se ve envuelto un guionista no muy convencido del trabajo que se le ha encargado.

Ficha técnica:

Origen: España/Francia
Año: 1989
Duración: 108 minutos
Género: Thriller, Drama, Suspenso
Director: Fernando Trueba
Guión: Fernando Trueba, Manolo Matji y Menno Meyjes,
basado en “The Dream of the Mad Monkey” de Christopher Frank.
Música: Antoine Duhamel
Fotografía: José Luis Alcaine Escaño
Montaje: Carmen Frías

Reparto:

Jeff Goldblum: Dan Gillis.
Miranda Richardson: Marilyn.
Anémone: Marianne.
Daniel Ceccaldi: Julien Legrand.
Dexter Fletcher: Malcolm Greene.
Liza Walker: Jenny Greene.
Jerome Natali: Danny.
Asunción Balaguer: Juana.
Arielle Dombasle: Marion Derain.
Micaela Sébastian: Arianne.

Sinopsis:

Un guionista americano llamado Dan Gillis, recibe el encargo de escribir el guión para la película de un joven y extraño director, Malcom. En principio es reticente por su situación personal, pero la obsesión sexual por la hermana de Malcom lo lleva a escribir el guión. Después se da cuenta de que está enredado en una densa y morbosa trama de difícil salida.

Comentario:

Dan (Jeff Goldblum), guionista norteamericano que vive en París y al que acaba de abandonar su mujer, dejándole a él la custodia del hijo de ambos, es contratado para escribir un guión y colaborar con Malcom, un joven, desconocido y misterioso director inglés (Dexter Fletcher). A medida que el guionista comienza a realizar su trabajo y a relacionarse con el director, va advirtiendo de que hay algo raro en el trato que éste tiene con el productor de la futura película (Daniel Ceccaldi). Intrigado, poco a poco Dan irá descubriendo el juego que el director y su atractiva y muy joven hermana (Liza Walker) desenvuelven con cada uno que se opone a los proyectos de Malcom.

En el año 1990, “El sueño del mono loco se llevó el Goya a la mejor película; al mejor director; al mejor guión adaptado, para Menno Meyjes, Manolo Matji y Fernando Trueba, a partir de la novela “The Dream of the Mad Monkey”, de Christopher Frank; a la mejor fotografía, para José Luis Alcaine; al mejor director de producción, para José López Rodero; y al mejor montaje, para Carmen Frías.

Las historias que se cuentan en la película son sugerentes: un padre de familia que se niega a crecer, que tiene miedo a las responsabilidades, y un joven director de cine consentido y caprichoso que echa mano de su hermana adolescente para conseguir todo aquello que quiere y no le conceden, y que, al toparse con un problema serio de verdad, como es la desaparición de Jenny, en lugar de ponerse en acción y buscarla, se queda en casa y se evade del problema, droga mediante.

La prueba de que Dan es sólo un niño grande que no madura, se muestra bastante bien en la película utilizando el personaje de su hijo, con quien el protagonista juega sin preocuparse de si van a romper la casa o de si es la hora de acostarse, y que luego el niño, con los miedos propios de la infancia, al notar que no va a encontrar la protección que necesita en su padre, opta por recurrir a su madre, aunque ésta tenga que ir a la casa a brindarle afecto a altas horas de la madrugada.

Por otra parte, Dan se queda prendado obsesivamente, al borde del enamoramiento, por la juventud y la belleza de Jenny, hasta seguirla a donde ella caprichosamente dicte. Se vuelve loco por ella, por esa perfección y esa mezcla de ingenuidad y malicia, de perversión y sensualidad que encierra ese cuerpo juvenil, hasta el punto de no razonar, de comportarse impulsivamente, incapaz de advertir la naturaleza y la proporción de las cosas que está experimentado, aunque después, cuando la realidad, imponiéndose, se revele ante él, la vida le concederá la oportunidad de madurar.-

“M. Butterfly” (David Cronenberg, 1993) – Títulos introductorios (Música: Howard Shore)

Inicio de la excelente “M. Butterfly”, película dirigida por David Cronenberg y protagonizada por Jeremy Irons. En esta introdrucción se puede disfrutar parte de la hermosa partitura compuesta por Howard Shore para la banda sonora de este largometraje, estrenado en 1993.-

“CAUTIVOS DEL AMOR”, de Bernardo Bertolucci.

“CAUTIVOS DEL AMOR”

(Besieged, Italia, 1998)

Escrita por: Bernardo Bertolucci y Clare Peploe, sobre un relato de James Lasdun.

Dirigida por: Bernardo Bertolucci

Protagonizada por: Thandie Newton (Shandurai), David Thewlis (Jason Kinski), John C. Ojwang (cantor), Claudio Santamaria (Agostino) y elenco.

Duración: 93 minutos

Película de atmósfera intimista en la mayor parte de su desarrollo, “Cautivos del amor”, del prestigioso director italiano Bernardo Bertolucci, cuenta con dos personajes centrales (encarnados por los talentosos David Thewlis y Thandie Newton) cuya interacción, núcleo del relato, se desenvuelve íntegramente en una casona (en la ciudad de Roma), que por obra y gracia de la gran destreza técnica de este realizador se convierte en un personaje más de la historia. El filme se impone principalmente a partir de la diáfana belleza de sus imágenes, a tal punto que en varios momentos Bertolucci renuncia a la palabra para dedicarse a filmar la sensualidad de dos cuerpos que se desean y que gozan, incluso hasta el dolor, por ese deseo. Hay un cuidado formal en toda la construcción narrativa que abruma por su perfección y sorprende por el poder de una cámara que es capaz de ver todo mostrando muy poco. Las elecciones estéticas de la película tienden a crear una sensación de aparente espontaneidad, aunque es evidente que detrás hay una planificación rigurosa de la puesta en escena. Esta paradoja, negando todas las intenciones frívolas que podrían suponerse de esta búsqueda artificial de naturalidad, provoca una extraña mezcla de gravedad con ligereza.

Sobre “Cautivos del Amor”

(Se trata de) una película que bordea elegantemente la ingenuidad de una típica historia romántica, pero se eleva por la fuerza de la belleza hasta lograr que uno sienta que está asistiendo a algo poderoso pero indescriptible. Esta imposibilidad de traducir en palabras lo que ocurre entre estos dos personajes, sin poder evitar así reducir todo a una pequeña historia banal y algo curiosa, es un gran triunfo del cine. El gran sueño rohmeriano de evocar lo invisible a través de lo visible, e ir más allá de la apariencia simple de las cosas, se hace realidad en varios momentos privilegiados de la película.

Este pequeño milagro se logra a través de un trabajo obsesivo sobre la forma, una voluntad que privilegia la armonía y el contrapunto y evita en todo momento el efecto y el capricho arbitrario. Si Bertolucci pudo filmar esta película hermosísima, fue gracias a su confianza en el rostro de los protagonistas. David Thewlis descartó los excesos que muchas veces lo han traicionado y puso toda la emoción de su mirada profunda para crear un personaje del que podemos adivinar todo sin que casi nunca diga nada. De Thandie Newton solamente se puede decir que es un milagro; su belleza (es) transparente, y su sensualidad (…) se manifiesta nítida, sin forzamientos. (…) Bertolucci los filma en cada una de sus pequeñas pero reveladoras acciones con un amor que es comparable al que va naciendo entre los propios personajes.

La plenitud de ese amor más grande que la vida, la felicidad que experimentan por ese sentimiento que los supera y parece elevarlos, se revelan en cada uno de los planos, en la belleza sin trucos de cada encuadre, en el talento y la sensibilidad de un cineasta que ha recuperado la fe en el poder del cine para ir más allá de lo evidente y dar cuenta de una belleza que creíamos olvidada.

Juan Villegas, para “El Amante Cine” (Publicado el 10/04/2000)