«Estado de Sitio», de Costa-Gavras, en Cinéfilo Bar (01/04 – 21 Hs.)

Ponemos en vuestro conocimiento que con el mes de abril comienza una nueva edición de nuestro ciclo de cine de ficción en Cinéfilo Bar, edición que lleva por nombre «Conexión Francia», con cinco películas sumamente interesantes. La primera de ellas, la que habrá de proyectarse el día 01/04, no es otra que «Estado de Sitio», todo un clásico del cine de denuncia política de los ’70, del realizador francés de origen griego Constantin Costa-Gavras, película cuya partitura musical, compuesta por Mikis Theodorakis e interpretada por el grupo Los Calchakis, cobró por aquellos años tanta notoriedad como el propio filme.

Los esperamos , por lo tanto, el próximo miércoles, a las 21 horas, en Cinéfilo Bar, Bv. San Juan 1020, a efectos de tomar contacto con «Estado de Sitio», película emblemática, que tanto dio que hablar en toda América Latina en ocasión de su lanzamiento.

«Estado de Sitio«

(État de Siège)

Dirección: Costa-Gavras

Guión: Franco Solinas

Música: Mikis Theodorakis (Interpretada por el grupo «Los Calchakis»)

Fotografía: Pierre-William Glenn

Montaje: Françoise Bonnot

Reparto: Yves Montand, Renato Salvatori, O.E. Hasse, Jacques Weber, Yvette Etiévant y Nemesio Antúnez.

Año: 1973

Género: Drama – Thriller político

Duración: 116 min.

Idioma: Francés (con algunos pasajes en inglés)

Sinopsis:

En el Uruguay de los ’70, antes de la dictadura militar, un ciudadano estadounidense es ejecutado por miembros de una organización guerrillera. Pero lo que el gobierno intenta presentar como un simple acto terrorista encierra otras cuestiones: La función del asesinado parece haber sido entrenar a la policía en crueles técnicas de tortura.

Legendario filme de denuncia política, «Estado de Sitio» se rodó en Chile, durante la presidencia de Salvador Allende, en diferentes lugares de Santiago y Viña del Mar, y con la participación de numerosos actores locales en roles pequeños.

Excelente drama basado en hechos verídicos, realizado con rigor histórico y gran solvencia técnica y narrativa, que registra acontecimientos influyentes en el ulterior desarrollo social y político de Uruguay.

Comentario:

A principios de la década de 1970, Philip M. Santore es secuestrado en Uruguay junto a dos diplomáticos norteamericanos por un comando guerrillero urbano.

El personaje de Philip M. Santore (desempeñado por Yves Montand) es una representación de Dan Mitrione, funcionario estadounidense que fue secuestrado y ejecutado por los Tupamaros en 1970. Mitrione había sido enviado por el gobierno de los EE.UU. como asesor para instruir a la policía y a los militares en la utilización «más eficaz» de la tortura.

De 1960 a 1967, Dan Mitrione trabajó con la policía brasileña, en un momento en el que los opositores políticos fueron sistemáticamente torturados, encarcelados y asesinados sin juicio. Regresó a los Estados Unidos en 1967 para compartir sus experiencias y conocimientos en la Agencia para el Desarrollo Internacional (AID), en Washington DC. En 1969, Mitrione se trasladó a Uruguay, otra vez bajo la AID, para supervisar la Oficina de Seguridad Pública (OPS).

En este período, el gobierno uruguayo, encabezado por el conservador Partido Colorado, tuvo que enfrentar colapsos en la economía, luchas obreras y huelgas estudiantiles, además de la guerrilla de Tupamaros. Por otra parte, Washington temía una posible victoria en las elecciones del Frente Amplio, una coalición de izquierda en la línea del gobierno de Salvador Allende en Chile, elegido presidente en 1970 por la Unidad Popular. La OPS ayudó a la policía local desde 1965, dándoles armas y formación. La tortura se practicaba ya desde los años 60.

Como el uso de la tortura aumentó las tensiones en Uruguay, Mitrione fue secuestrado por los Tupamaros el 31 de Julio de 1970. Se procedió a interrogarlo acerca de su pasado y la intervención ilegal del gobierno de Estados Unidos en asuntos latinoamericanos. Además, exigieron la liberación de 150 presos políticos. El gobierno uruguayo, con el apoyo de Estados Unidos, se negó, y después Mitrione fue encontrado muerto en un coche con dos disparos en la cabeza y sin señales de maltrato alguno (de hecho, durante el secuestro, Mitrione había recibido un disparo en un hombro y después había sido curado en la «Cárcel del Pueblo»).

Mitrione era casado y tenía 9 hijos. A su funeral, ampliamente difundido por los medios de comunicación de Estados Unidos, asistieron, entre otros, David Eisenhower y Richard Nixon. Frank Sinatra y Jerry Lewis celebraron un concierto benéfico para su familia en Richmond, Indiana. Años más tarde, uno de sus hijos, Dan Mitrione Jr., siendo empleado del FBI, se vio involucrado en un escándalo de sobornos en torno a una investigación sobre tráfico de drogas.-

Sobre Costa-Gavras:

Constantin Costa-Gavras

El thriller político y social es la especialidad de Costa Gavras, cineasta de origen griego nacido en Atenas en 1933. A principios de la década de 1950 emigró con su familia a Francia, donde cursó estudios de literatura en la Sorbona (París). Más tarde, siempre en París, comenzó a estudiar cine y llegó a trabajar como ayudante de dirección de grandes directores franceses, como Jean Renoir, René Clement, Henri Verneuil, René Clair o Jacques Demy. Sus guionistas preferidos han sido Jorge Semprún y Franco Solinas.

Como Gillo Pontecorvo o Francesco Rossi en Italia, Costa Gavras es en Francia el representante más genuino de un cine de ficción de contenido político, que ha sabido abordar desde 1965 hasta hoy los temas políticos y sociales más diversos a través de la ficción, pero con el rigor del documental. Temas como la dictadura de los coroneles griegos en «Z», las purgas estalinistas en «La confesión», la represión política cívico militar de América Latina en «Estado de sitio» o «Missing», pero también el nazismo y la complicidad de la Iglesia católica en «Amén», el racismo en Estados Unidos en «Traicionados», o más recientemente un thriller social cargado de humor negro como «La corporación».

El de Costa-Gavras es, sin dudas, un nombre significativo en la historia del Séptimo Arte.-

Yves Montand y Costa-Gavras en 1972 en Chile, durante el rodaje de "Estado de Sitio"

«Alondras en un hilo», de Jirí Menzel, en Cinéfilo Bar (25/03 – 21 Hs.)

Luego del galardón obtenido con «Trenes rigurosamente vigilados», filme checoslovaco que recibiera el Oscar a la mejor película extranjera en 1967, su director, Jirí Menzel, se abocó, en el marco de la llamada «Primavera de Praga», a la realización de «Alondras en un hilo», conteniendo este nuevo largometraje una mirada crítica (ácida e irónica) por referencia a un momento preciso de la historia del régimen burocrático estalinista en Checoslovaquia. Hay que decir que «Alondras en un hilo» es una excelente película, con un claro contenido de denuncia política pero no exenta de logrados momentos de humor, de ternura y de romance, que combina de manera excelsa el drama con la comedia.

Con esta nueva función de Videoteca del Mirador en Cinéfilo Bar cerramos la programación del mes de marzo, que hemos llamado «Reencuentro con la emoción». Y en el caso de «Alondras en un hilo», la emoción, por cierto, no se hace desear.

Los esperamos, entonces, el miércoles 25/03, desde las 21 horas, en Bv. San Juan 1020.

«Alondras en un hilo«

Título Original: Skrivánci na niti

Director: Jiri Menzel

Guión: Jiri Menzel, basado en escritos de Bohumil Hrabal.

Actores: Rudolf Hrusínky, Leos Sucharipa, Jitka Zelenohorská, Vladimir Smeral, Václav Neckar y Vlastimil Brodský.

Duración: 94 minutos

Año: 1969

Sinopsis:

En la ciudad de Kladno y durante los denominados «procesos de rectificación» de 1950, se da cita un peculiar conjunto de personajes represaliados en torno a una fundición que recicla los signos del antiguo orden para fabricar nuevos tractores y máquinas. Por una parte, despuntan la mirada crítica y los divertidísimos diálogos de una cuadrilla de operarios forzosos compuesta por un profesor de filosofía que se opone a quemar obras maestras de la literatura occidental, un fiscal que osa reivindicar el derecho de los condenados a defenderse, un músico consagrado a un instrumento tan burgués como el saxo, o un cocinero que rehúsa trabajar los sábados por motivos religiosos. Por otra parte, están los rostros llenos de vida de una serie de prisioneras condenadas a trabajos forzados por haber intentado huir de las fronteras checoslovacas.

«Alondras en un hilo» es una suerte de comedia dramática que desarticula y satiriza la concepción estalinista del hombre nuevo, destinado a construir, a golpes de purgas, burocracia y martillo, la patria del «socialismo real». Se trata de una película prohibida y enlatada durante 20 años, que en 1990 fue autorizada por el gobierno checo a participar en el Festival de Berlín, donde conquistó el máximo premio.

Comentario:

Emotiva película de Jirí Menzel, posible sólo en el contexto de la Primavera de Praga, y cuya distribución comercial estaría prohibida durante más de veinte años. El marco donde transcurre la acción es una fundición de acero, que recicla material procedente de la chatarra. En la fábrica trabajan unos obreros muy especiales; se supone que son reaccionarios con profesiones como la de profesor o filósofo, reconvertidos por el sistema. Y a muy escasa distancia realizan trabajos forzados un grupo de presas comunes. El guardia que las vigila, en vísperas de su boda, concede a sus prisioneras un trato muy humano. Surgirá una tierna historia de amor entre Pavel, uno de los obreros, y Jitka, una presa. Pero no dejarán de verse las miserias del régimen burocrático y su tendencia a la descomposición política, toda vez que, en nombre del comunismo y de la defensa de los intereses obreros (repitiendo ritualmente consignas vacías de contenido), desarrolla en la práctica la corrupción de menores y encarcela a quienes se interesan por la suerte de un compañero detenido.

Menzel logra el milagro de que en su película esté ausente en todo momento la amargura. Al contrario, traspasa su película de un lirismo que llega al corazón, donde lo que cuenta es el individuo concreto y sus sentimientos: compasión, solidaridad, ayuda mutua, una buena conversación. Frente a esto, la comisaria política adoctrinando a un grupo de niños contra el fascismo suena falsa, muy falsa.

El cineasta checo saca todo el partido a la localización de la historia, de modo que los montones de chatarra adquieren aquí una rara belleza.

Basada en la colección de relatos cortos «Anuncio una casa donde ya no quiero vivir», del célebre escritor Bohumil Hrabal, «Alondras en un hilo» constituye una de las manifestaciones más emblemáticas en el campo del cine del proceso político y social checoslovaco, de signo antiburocrático, conocido como la Primavera de Praga.

Película valiente y sin pelos en la lengua, es de celebrar su existencia. Nos congratulamos de poder acercarla al público de Córdoba.

“Con ánimo de amar”, de Wong Kar-wai

«Con ánimo de amar» es una magnífica cinta de Wong Kar-wai, protagonizada por Tony Leung y Maggie Cheung. Drama romántico de época excelentemente narrado y filmado, esta película resultó un vehículo para el definitivo reconocimiento internacional del realizador hongkonés, además de tratarse  de una de sus películas más populares por estas tierras. En principio puede arriesgarse que su argumento plantea una situación de amor imposible, de un amor que podría haber sido pero no fue. Ahora bien, ¿podría haber sido?, ¿no fue?. ¿Cuántas formas diferentes puede asumir el amor como sentimiento que une a dos personas de manera única, especial, contradictoria?. ¿Qué tipo de relación expresa más acabadamente ese sentimiento?; ¿el amor lo es todo?. Las diferentes circunstancias personales, los prejuicios morales y culturales, el sentido de la responsabilidad y de la lealtad, el miedo al fracaso, al compromiso afectivo, al amor mismo, ¿cómo pueden incidir para que se dispare o no un vínculo romántico?. Muchas preguntas, muy caras todas ellas a las inquietudes del alma humana, están planteadas en la historia que magistralmente nos relata Wong Kar-wai en «Con ánimo de amar», película fundamental para todo aquel que se permite experimentar una suerte de idilio con el buen cine.

«Con ánimo de amar«

(In The Mood For Love)

Hong Kong, 2000, 98′

Dirección, guión y producción: Wong Kar-wai

Fotografía: Christopher Doyle, Mark Lee Ping-bin

Música: Mike Galasso

Protagonistas: Tony Leung, Maggie Cheung, Lai Chen, Rebecca Pan.

Comentario: Una relación particular en China

Wong Kar-wai, el director de «Happy Together / Felices Juntos», la lograda película china que fue filmada en Buenos Aires hace algunos años, se ocupa aquí de las particulares relaciones de una pareja.

Las situaciones básicamente cercanas al melodrama en versión china suceden en un Hong Kong de los años 60. Con ciertos resabios del cine francés («La mujer de la próxima puerta») una pareja compuesta por el Sr. Chow (Tony Leung) y la Sra. Chan (Maggie Cheung) se vuelven vecinos en una casa de departamentos. Cuando descubren que la mujer del Sr. Chow mantiene una aventura con el esposo de la Sra Chan, ambos se vuelven amigos cercanos.

El es un periodista con sueños de publicar un libro sobre artes marciales y ella una secretaria. Pese a saber la relación de sus parejas, ellos deciden comportarse y el filme avanza sobre la ingenuidad y delicadeza de los sentimientos puestos en juego por estas dos personas, con una enorme sensibilidad interior que, por lo general, se manifiesta en conductas de notable y respetuosa sobriedad.

El acercamiento del director y sus cámaras es casi espiritual, y casi nos sentimos espías de estos encuentros entre estos dos amigos, como cómplices de esta relación intimista, de puertas adentro.

Los actores llevarán magníficamente este enamoramiento platónico pero profundo y sus sentimientos serán reflejados por sus rostros, sus actitudes y hasta el uso de los objetos. Lo que para los espectadores es un incipiente romance, para el director Wong es una resistencia. Los enamorados se mantienen cerca, muy cerca pero en mundos distintos. Es una película sobre un romance que nunca ocurre, o que ocurre de una manera distinta, podría decirse.

El foco del filme está puesto en las dificultades del amor cuando debe ocultarse. Escuchamos conversaciones pero nunca completas. Vemos las manos tocarse pero no podemos asegurar si fue una sincera muestra de afecto o un roce casual.

Muchas preguntas surgen luego de la película sobre si Chow y Sun terminarán siendo amantes, pero de todas formas esa no es la meta del director; la misión cumplida es seducirnos y dejarnos varados entre la esperanza y la melancolía.

Cautivante estudio de los especiales vínculos en una pareja, este bello filme se completa con buenos aportes sonoros y una cuidada utilización de la luz. Imperdible.

«El carnaval de las almas», de Herk Harvey, en Cinéfilo Bar (18/03 – 21 Hs.)‏

La función del próximo miércoles supone la posibilidad de saborear un plato cinematográfico sumamente especial, en el momento mismo en que se inicie la proyección del título que hemos programado para ese día en Cinéfilo Bar. Se trata del único largometraje de ficción del director Herk Harvey, quien se especializó, a lo largo de su carrera, en la realización de documentales institucionales y pedagógicos. Hablamos de «El carnaval de las almas», un extraordinario relato visual que se desenvuelve por medio de una cautivante atmósfera de misterio y sugestión, y que alcanzó con el tiempo el estatus de película de culto, fundamentalmente a partir de sus virtudes en el terreno de la puesta en escena y de la fotografía, aspectos que apuntalan eficazmente una obra que marcó huella en el campo del género fantástico.

Los esperamos el día 18 de marzo, a partir de las 21 horas, en Bv. San Juan 1020, para ingresar al singular universo de «El carnaval de las almas».-

«El carnaval de las almas«

Título original: Carnival of Souls

Nacionalidad: EE.UU.

Año: 1962

Género: Fantástico / Suspenso

Duración: 78 minutos

Director: Herk Harvey

Guión: John Clifford

Fotografía: Maurice Prather (B/N)

Música: Gene Moore

Reparto: Candace Hilligoss, Frances Feist, Sidney Berger, Art Ellison, Stan Levitt, Tom McGinnis, Forbes Caldwell, Dan Palmquist, Bill de Jarnette y Pamela Ballard.

Sinopsis:

Mary Henry es víctima de un accidente automovilístico; el vehículo en el que viajaba se ha precipitado al río desde un puente colgante. Horas después, Mary aparece sola y desorientada en un banco de arena. Enseguida notará que el medio que la rodea ha cambiado. La línea que separa a los vivos de los muertos se hace cada vez más borrosa y es que, en realidad, el mundo en el que Mary se mueve se le aparece como algo muy distinto a todo lo que conocía de antes.

Comentario:

Rodada en tres semanas por un grupo de jóvenes con más ilusión que dinero, «El carnaval de las almas» es una película de culto por derecho propio (En Estados Unidos cada noche de Halloween se emite por televisión o en salas de cine, y posee millones de fans por todo el mundo), que influyó en directores como George A. Romero, quien reconoció que se fijó en esta obra para hacer su clásico ‘La Noche de los Muertos Vivientes´ (1968). David Lynch es otro confeso admirador de esta película. Lo cierto es que en base a talento e ingenio, el director Herk Harvey, a partir del inteligente guión de John Clifford, supo crear aquí una muy lograda atmósfera fantástica y oscura.

Viendo esta película nadie diría que nos encontramos ante una típica producción serie B de terror de los años 60. Su fotografía es realmente espléndida y los encuadres son magníficos. La puesta en escena tiene una calidad poco usual en este tipo de cine. Hay numerosos detalles que no son producto del azar, sino que cada plano está perfectamente estudiado para transmitir aquello que quiere el director.

Cabe destacar la excelente actuación de Candace Hilligoss (en el único papel relevante de su casi inexistente carrera cinematográfica), metida en la piel de un personaje lleno de perplejidad, el cual, mediante convincentes expresiones faciales, logra transmitir lo que siente sin necesidad de hablar. Con sus impresionantes ojos, con su mirada, a veces perdida, a veces llena de miedo, la actriz hace que su Mary refleje la perturbación que la vida cotidiana le produce desde que ha tenido el accidente, como si viviera en un mundo ajeno, sobrenatural.

Por su parte, la magistral banda sonora compuesta por Gene Moore genera una hipnótica ambientación y acompaña impecablemente las sensaciones inquietantes que la película provoca.

En definitiva, una película para no dejar de ver, que en su época fue todo un fracaso de crítica y público, y que ahora ponemos a disposición del público cordobés adicto al buen cine.-

«Vacas», de Julio Medem, en Cinéfilo Bar (11/03 – 21 Hs.)

El director de la película que proyectaremos el próximo miércoles, en el marco de nuestro ciclo en Cinéfilo Bar, es alguien del que ya hemos tenido oportunidad de hablar, a propósito de otras realizaciones suyas que hemos programado anteriormente. Nos referimos al vasco Julio Medem, responsable de «La ardilla roja» (1993) y de «Tierra» (1996), los otros títulos a los que hacíamos referencia. En esta ocasión vamos a ocuparnos de su ópera prima, «Vacas», drama rural de época que recorre distintos momentos de la historia política española y del que se desprenden momentos de intensa emoción, en el cual Medem ya muestra sus virtudes narrativas, la claridad expositiva pese a las complejidades del guión, la justeza de la puesta, su osada y cautivante manera de encuadrar y mover la cámara, y una acertada dirección de actores, logrando de estos una gran compenetración con los personajes y sus circunstancias. Hay que decir que esta película le permitió a Medem obtener el premio Goya al mejor director novel.

Los esperamos para disfrutar de esta nueva función (la segunda de la presente temporada) con el cine que propone Videoteca del Mirador en Cinéfilo Bar, el miércoles 11 de marzo, a las 21 horas, en Bv. San Juan 1020.-

«VACAS«

(1992, 93 min.)

FICHA TÉCNICA:

Dirección: JULIO MEDEM. Guión: MICHEL GAZTAMBIDE y JULIO MEDEM. Dirección de fotografía: CARLES GUSI. Montaje: MARÍA ELENA SÁINZ DE ROZAS. Música: ALBERTO IGLESIAS. Dirección artística: RAFAEL PALMERO. Efectos especiales: REYES ABADES. Vestuario: MARÍA JOSÉ IGLESIAS. Localizaciones: Valle de Baztán y Señorío de Bertiz (Navarra).

ELENCO:

CARMELO GÓMEZ (Manuel / Ignacio / Peru). EMMA SUÁREZ (Cristina). ANA TORRENT (Catalina). TXEMA BLASCO (Manuel). KÁNDIDO URANGA (Carmelo / Juan). KLARA BADIOLA (Madalen). KARRA ELEJALDE (Ilegorri / Lucas). PILAR BARDEM (Paulina). RAMÓN BAREA (Juez). MIGUEL ÁNGEL GARCÍA FUENTES (Peru niño). ANE SÁNCHEZ (Cristina niña). AITOR MAZO (Soldado).

Emma Suárez en "Vacas", de Julio Medem.

SINOPSIS:

A lo largo de tres generaciones, dos familias de un pequeño valle guipuzcoano (los Irigibel y los Mendiluce) mantienen relaciones tortuosas, marcadas por la violencia, una odiosa rivalidad y las pasiones más viscerales. La historia comienza en Guipúzcoa, en 1875. En una trinchera carlista, durante la guerra, Manuel (Carmelo Gómez / Txema Blasco), un famoso aizcolari (participante de competencias que consisten en cortar con hacha troncos de árboles), logra salvar su vida embadurnándose con sangre de un cadáver y haciéndose pasar por muerto. Al escapar de un carro que transporta cadáveres se topa con una enorme vaca. Su presencia le produce una extraña sensación que trocará en obsesión durante toda su vida. A partir de aquí se narra la historia de tres generaciones hasta llegar al comienzo de la Guerra Civil Española en 1936.

COMENTARIO:

Con Vacas, su primer largometraje, Julio Medem logró llamar la atención del cine español con esta sugerente historia rural de rivalidades entre dos familias de fortísimos caracteres. La película tiene momentos realmente extraordinarios y plenos de originalidad, merced a los hallazgos formales de un realizador que, ya en su ópera prima, demuestra poseer un universo fílmico propio, que en sus siguientes películas desarrollaría, indagando en su obsesión por cruzar esa línea que divide nebulosamente el mundo real del imaginario, valiéndose de ocurrentes disposiciones de cámara y sorprendentes efectos de montaje.

Vacas ya demostraba toda la singularidad y el talento de Medem, a pesar de visibles carencias de presupuesto y de medios que limitaron bastante al nuevo director; sin embargo, la forma en la que su cámara llenaba de magia y de vida los bosques de Euskadi estaba a años luz de todo lo que se había visto hasta entonces en el cine español. Además, el mérito de Vacas no está sólo en ser arriesgada visualmente; el recorrido que hace por la historia de dos familias vascas a lo largo de tres generaciones le confiere la virtud de haber sido capaz de abordar (a la manera poética de Medem, claro) los orígenes del problema de la violencia en el País Vasco; violencia que se manifiesta desde el comienzo mismo del filme, en los tiempos de las guerras carlistas, hasta el final, en los albores de la guerra civil española.

Caben destacar en Vacas la sólida interpretación de unos actores que aportaron todo su buen hacer a un guión por momentos algo críptico, difícil de transmitir con naturalidad. Son magníficos los trabajos de Carmelo Gómez (encarnando a tres personajes), Txema Blasco (como el loco abuelo Manuel) y Emma Suárez. También son relevantes la música de Alberto Iglesias y el trabajo de cámara de Carles Gusi.

«Dinero del cielo», de Herbert Ross, en Cinéfilo Bar (04/03 – 21 Hs.)

No tenemos dudas en afirmar que la primera función de cine de ficción de Videoteca del Mirador del presente año, en el inicio de la tercera temporada de nuestra actividad cineclubística en Cinéfilo Bar, conlleva la posibilidad de acceder a una verdadera perla cinematográfica que, a diferencia de otras que gozan de gran popularidad, reconocimiento de público y crítica y de un prestigio unánime y creciente en el tiempo, se ha visto condenada al olvido casi desde el momento mismo de su estreno en los EE.UU., su país de origen, por cuyas salas pasó fugazmente, sin pena ni gloria, convirtiéndose en un absoluto fracaso comercial. Nos referimos a «Dinero del cielo» (Pennies from heaven, 1981), dirigida por el neoyorkino Herbert Ross (13 de mayo de 1927 – 9 de octubre de 2001), quien en su vida, además de realizador, fue productor, coreógrafo y actor.

Dentro de la irregular filmografía de este discreto director, pueden citarse como títulos más salientes los de «Sueños de un seductor» (Play It Again, Sam – 1972, con Woody Allen), «La chica del adiós» (The Goodbye Girl – 1977), «Footloose» (1984, con un joven Kevin Bacon), «El secreto de mi éxito» (The Secret of My Success – 1987) y «Magnolias de acero» (Steel Magnolias – 1989).

Hacia finales de los ’70, Ross decidió comprar los derechos de una exitosa serie televisiva británica llamada «Pennies from heaven», emitida en esos años por la BBC, con el propósito de intentar su adaptación cinematográfica. La hizo y consiguió una película conmovedora, entrañable, melancólica y maravillosa, película con cuya proyección, el próximo miércoles 04/03, a las 21 horas, en Bv. San Juan 1020, damos el puntapié inicial de lo que hemos denominado«Reencuentro con la emoción». Los esperamos.-

«Dinero del cielo«

Título original: Pennies from heaven

Duración: 107 minutos

Género: Drama de época / Comedia / Musical / Romance

Nacionalidad: EE.UU.

Director: Herbert Ross

Productor: Nora Kaye, Herbert Ross

Guión: Dennis Potter

Fotografía: Gordon Willis

Actores: Steve Martin, Bernardette Peters, Jessica Harper, Christopher Walken, Vernel Bagneris, John Mcmartin, John Karlen, Jay Garner, Robert Fitch, Frank Mccarthy, Eliska Krupka, Raleigh Bond, Gloria Leroy, Nancy Parsons, Toni Kaye, Shirley Kirks y Jack Fletcher.

Comentario:

Durante la Gran Depresión de los años ’30 en los EE.UU, Arthur Parker, vendedor de canciones, sueña que sus melodías se hacen realidad. En medio de la pobreza y la desolación, y con un matrimonio infeliz, Arthur intenta abrirse camino, mientras ve el mundo a través de sus canciones favoritas. Es así como realiza un viaje en el que conoce a Eileen, una maestra con quien inicia una relación sentimental ocultando su condición de casado.

Este es el punto de partida de este drama en forma de musical y con exquisitos toques de comedia y romance; la historia de un vendedor de partituras de canciones que, en un contexto de profunda crisis económica y de penurias crecientes para la población, intenta su supervivencia en el marco de esa dura e inevitable realidad ayudándose con la alegría que le provoca el mundo maravilloso de las canciones. Se trata de una mirada nada complaciente a la época de la depresión con la inserción de números musicales en una forma inventada por el guionista Dennis Potter. Entre tales números podemos citar, dentro de los más logrados, el que protagoniza la maravillosa Bernadette Peters, «Love is Good for Anything that Ails you», con voz original de Phyllis Robbins.

La fotografía de Gordon Willis y la aparición, breve pero estelar, de un Christopher Walken en estado de gracia (luciéndose en «Let’s Misbehave», de Cole Porter, en la versión de Irving Aaronson and His Commanders), hacen el resto, configurando aspectos que han contribuido a transformar esta película en una obra de culto a descubrir.

«Dinero del cielo» es, en suma, un cautivante musical con una coreografía brillante que se inspira en clásicos del género, una joya cinematográfica que pasó desapercibida en la época en que se dio a conocer, y cuyo rescate del olvido constituye, en nuestra opinión, un saludable gesto cinéfilo. Contiene espléndidos números musicales en playback, bellos decorados y notables coreografías que contrastan con una historia de amor pequeña, casi intimista. Un inspirado Herbert Ross dirige el conjunto y realiza la que tal vez sea su mejor película, de esas que mejoran con los años y, sin prisa ni pausa pero con justicia, van ganando adeptos a través del tiempo.